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Posts Tagged ‘teatro’

Reflexiona el director Krystian Lupa que, “si debajo del árbol seco de Godot se aguarda algo indefinido, en “Fin de Partida”, que tiene lugar en un especio muy cerrado, se espera algo muy concreto: el fin. ¿Y qué ambiente se respira en la antesala del final?”.

Un viejo cobertizo cerca del mar. Hamm (José Luis Gómez) está enraizado en una silla de ruedas, es ciego, no puede levantarse y sobrevive gracias dar órdenes al otro personaje que necesita para que le dé la réplica. Es Clov (Susi Sánchez), el criado, la pareja, el hijo, el otro en definitiva. Él (o ella) no puede sentarse, no puede dejar de acatar las órdenes del Hamm y a veces se marcha corriendo a su cocina porque hay “mucho que hacer”. Huye por un rato tan sólo. Ambos quieren dejarse desde siempre y por eso no se dejan. Huye hasta que Hamm sopla su silbato. El día en que ella (o él) no acuda a la llamada significará que estará muerta en su cocina o se habrá ido a través del mar. El mar ruge en el cobertizo a veces, Clov abre y cierra las ventanas o mira por el catalejo o se pone sus zapatos de tacón verdes. Pero ¿qué ocurre cuando  el mar no brama aunque dejen la ventana abierta? Los padres de Hamm, Negg y Nell (Ramón Pons y Lola Cordón) protestan, se quieren, tienen hambre o se repiten lo dicho tantas veces desde sendos cubos que son casi sarcófagos y de los que no pueden salir…

Fin de Partida data de 1957 y es ocho años posterior a “Esperando a Godot”. Ambas obras, junto con “Días felices” son consideradas por muchos como el núcleo fundamental y sobre el que se construye todo el teatro del irlandés Samuel Beckett.  Con este montaje el Teatro la Abadía cierra la programación especial de su 15 aniversario en estrecho diálogo con “El arte de la comedia”.

Si la obra de De Filippo es todo un manifiesto de juegos de apariencia y exterioridad, “Fin de Partida” es una discurso interior sobre la vida, las relaciones personales y el dolor. Este diálogo desde el silencio se da en los personajes pero también se produce de forma interna en el espectador. La profundidad no se consigue a través de una poetización del texto, sino en los espacios que quedan “entre palabras”. Escenográficamente ese no-decir se refleja también en el no-lugar que es el espacio indefinido del cobertizo, tan sólo a veces iluminado por un brillante halo de color rojo. “Como si de alguna manera se pudiera contar el sufrimiento…”, dice Lupa.

El Director: Krystian Lupa.

Premio Europa para El Teatro 2009, el director y escenógrafo polaco Krystian Lupa es una figura clave del teatro europeo contemporáneo. Además de ocuparse de la puesta en escena, suele traducir o adaptar los textos, diseñar el espacio y en ocasiones intervenir como narrador. Esto hace que consiga crear un mundo de gran coherencia interna y sumamente sugerente. “La habitación transparente”, “Los locos y la monja” o “La ciudad del sueño” son algunos de sus montajes fundamentales. Definidos por el director como “Teatro de la Revelación”, Lupa entiende el teatro como una vía de conocimiento y de superación de los límites de la personalidad humana.

Algunos fragmentos de la entrevista a José Luis Gómez:

–        ¿Por qué eligió este montaje para cerrar la temporada teatral de La Abadía?

Queríamos crear dos polaridades a partir de “El arte de la comedia” y de “Fin de Partida”. En el primero aparece lo que está manifiesto, lo que se ve y en el texto de Beckett aparece lo profundo, lo que está sin decirse. “Fin de partida” es un auto sacramental, laico y nihilista que entra en controversia y disputa con la visión del cristianismo. Es una obra esencial que no se entiende si los cambios profundos del siglo XX, sobre todo producido por las dos grandes guerras. Beckett escribe este texto bajo el impacto tremendo de la Segunda Guerra Mundial y sintiendo los cambios profundos que se han dado en el mundo.  Se pregunta, ¿dónde está el mal?, ¿cuál es la génesis del sufrimiento?

–        El binomio de personajes Hamm/Clov parece representar una serie riquísima de relaciones personales y de poder…

–        Sí. Se superponen en estos dos personajes muchas proyecciones imaginarios. Además del binomio amo-siervo, que se ve y que se encuentra en el texto, la pareja refleja las relaciones padre-hijo u hombre-mujer. Le di justamente la idea a Lupa de que  Clov debería hacerlo una mujer, Susi Sánchez para que las posibilidades interpretativas de estos dos personajes pudieran enriquecerse aún más.

–        El mar tiene una papel fundamental en esta función, ¿qué representa para usted?

–        El mar es un elemento por el que uno puede ser destruido pero a la vez es esencial para la vida humana. En el mar uno puede huir, uno puede escapar y cuando el mar muere, muere todo. Es un elemento simbólico de la vida de la tierra. Pero también el mar está lleno de nostalgia, de amenazas, de plenitudes. Es el elemento de los grandes viajes y también de las grandes huidas. En definitiva, el mar separa y une…

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Otra recomendación teatral. Hasta el 2 de Agosto en el Teatro Español, el viajante de Arthur Miller “morirá” una y otra vez de la mano de Mario Gas. Teatro del bueno, de ese que entretiene, emociona, hace pensar, respeta el texto sin renunciar a su mirada personalísima.

Una carretera perdida atraviesa el hogar de los Loman. Un hombre aparece de ondo, es Willy Loman (el enorme Jordi Boixaderas), un viejo vendedor ambulante que tras cuarenta años de trabajo ha sido despedido. Como vendedor, Willy no fabricaba nada, los frutos de su trabajo eran sus sueños y esperanzas… Se ha convertido en la imagen arquetípica de la inseguridad y de la capacidad humana del autoengaño, como dice el propio Boixaderas, “de alguna manera todos conocemos a Willy Loman” .

Volvemos a ver a Willy,el perdedor nato, caminando como siempre por la carretera equivocada…  Pero siempre seguirá empeñado en conquistar territorios, en encontrar tesoros “en la arena de la selva” con sus dos maletas a cuestas.

Fragmentos de la entrevista concedida por Mario Gas para Teatros…

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Ahora que está a punto de finalizar la temporada teatral en Madrid, hago mi personal entrega de premios y me quedo con estos diez montajes:

“Retablo de avaricia, lujuria y muerte”, en el Teatro Valle-Inclán. Por la calidad de las tres propuestas en todos los sentidos. Por enseñar en hora y media la infinitud del lenguajes del teatro. Por lo gamberro.

“Hamlet”, dirigido por Tomaz Pandur. Por los inconmensurables Blanca Portillo y Asier Etxeandía, porque crear una pequeña y loca Dinamarca en las Naves del Español, por el memorable cabaret del intermedio.

“Sweneey Todd”, también del Español. Dirigida por Mario Gas. El mejor musical que he visto (con mucho) en toda mi vida.  Por demostrar lo mucho que puede dar de sí este género, por la genial Vicky Peña.

“Auto de Reyes Magos” en el Teatro La Abadía. Dirigida por Ana Zamora, la mejor directora de teatro medieval que tenemos en España. En una hora hizo brotar poesía, rito y misticismo…

-“Mejorcita de lo mío”, en la Sala Triángulo. Porque sí.

– “Cómeme el coco, Negro” en el Teatro Compac Gran Vía.  El clásico de la compañía La Cubana donde todo es posible…

– Ron Lalá con su “Mundo y Final” en el Alfíl. Humor y música de la buena.

“Un Dios Salvaje“, en el Teatro Alcázar. Demostró que es posible hacer teatro comercial de calidad. Un lujo encontrar juntas en escena a dos monstruas como Guillén Cuervo y Verdú.

“La vida es sueño” dirigida por Pérez de la Fuente. El “hasta luego” del Teatro Albéniz…

– ¡Y todo Yllana… ! ¿Por qué?Porque Yllana es humor. Sin palabras y del bueno. Desde 1991, la Compañía demuestra cómo hacer el humor sin abrir la boca: su idioma escapa del cuerpo con una energía desenfrenada, un estilo directo que combina ingenio y riesgo con todo tipo de golpes, saltos, gritos, mimo y música, siempre eléctrica. Callados pero siempre ruidosos, Yllana acelera el lenguaje de la onomatopeya creando un mundo surrealista y delirante donde todo puede ocurrir.

Desde se formación, Producciones Yllana han producido espectáculos que  se han presentado en más de 1.500 ocasiones en 29 países distintos y han pasado por la compañía  cómicos geniales como Leo Bassi.

Os dejo con algunos videos en el que su peculiar estilo de pantomima blanca puede “vislumbrarse” un poco. Este verano tomen Yllana, saldrán mejores y más felices. ¿Dónde? En el Teatro Alfil. Está en la calle Pez, muy cerca del  Palentino… (más…)

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En mayo Segovia está hecha de hilos enredados.

Crucetas, teatrillos, maquillaje, luces y cordeles de todos los tipos imaginables. Hasta el miércoles 13 la Catedral, el Acoeducto,  la Plaza de San Martín o la torreta de Santiago no son lo que nos dicen que son, sino más bien otra cosa. Los lugares son más lugares cuando acogen arte, ideas y buen rollo. Una vieja titiritera ayuda a subir la ladera a una niña de los rizos negros, cargada de violetas y margaritas, para que vea mejor al señor Tico luchando contra una perro de boca enorme que ladra notas de acordeón.

Esto sí que es hacer de este mundo el mejor de los mundos posibles.

El minúsculo circo de las pulgas, los chicos australianos de “The von Troley Quarter” musipayaseando en la plaza de la catedral, una italiana –Irene Vecchia– que hace hablar a sus viejísimos muñecos sobre el opresor y los oprimidos… Sombras chinescas, máscaras, teatro de la mayor calidad con el don Juan “o memoria amarga de mí” de Pelmànec (también en el teatro La Abadía)… La lista es larga y llena de sorpresas.

Es la primera vez que acudo a este Festival y me ha llenado de vida. Repleto de familias donde por un rato todos son niños, viejos titiriteros, hippies al sol, guitarras minúsculas y vestidos morados. Me como un bocadillo en los soportales de la Plaza Mayor mientras llueve y sale el Sol a la vez…  Allá arriba también están jugando a correr y descorrer el telón.

Les dejo con “Manoviva“, el espectáculo que sin duda me gustó más de todos los que vi. Tan sólo con sus manos,  la compañia italiana  Family Theatre reinventa los títeres creando seres de cinco dedos que caminan. Diseñados con látex artesanal, poseen cabeza, dos manos y dos piernas plegadas. ¿Hasta dónde pueden llegar con tan pocos elementos?  Interpretados por los dos titiriteros, las manos se transforman en dos increíbles personajes capaces de exhibirse en números de juegos y acrobacias mejor que cualquier ser humano: echar humo por la “boca”, jugar a los malabares o, si la ocasión lo requiere, incluso salir volando.

Las candilejas se encienden y todos nosotros, espectadores, nos sumerjamos en un mundo fantástico en miniatura donde todo es posible y real. En nuestra era tecnológica, Manoviva redescubre la experimentación y el uso de las manos de forma libre, expresiva y creativa. El espectáculo se convierte en todo un juego donde incluso enseñan al público a mover los dedos de forma independiente. Porque todo es posible, porque los límites sólo los ponemos nosotros.

Disfruten…

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platonov

A diferencia de otros sectores culturales, el teatro sube como la espuma. Hace unos días,  entrevistando a la actriz Itziar Miranda creo que borbotearon las claves de este verdadero “subidón” teatral. “Cuando hay crisis la gente necesita salir a las calles”, decía, “juntarse con otra gente para volver a los ritos antiguos, a la tierra, a las emociones compartidas…”. Qué rito puede haber más antiguo que el teatro… el arte más viejo del mundo. El ejemplo paradigmático es Argentina, desde la época del “corralito” los teatros están a rebosar… Ayer tuve la suerte de presenciar uno de esos montajes necesarios en estos tiempos que nos ha tocado vivir. “Platonov” es la historia de un hombre bueno, pero que no consigue encajar las piezas de su vida, sobre todo porque no sabe muy bien si quiere que esas “piezas” sean las suyas. Es la historia del (anti)héroe típico de un tiempo desprovisto de utopías como el nuestro.  Si Hamlet se mueve por devoción al padre, Platonov no respeta ni a vivos ni a muertos. Al igual que Don Juan atrae poderosamente a las mujeres pero siempre hay amargura y disgusto en sus relaciones… Permanente insatisfacción.

No dejéis pasar esta oportunidad. Los miércoles la entrada os sale por 7 euros.  Magnífica dirección de Gerardo Vera, una escenografía brillante, la actuación de un Pere Arquillué llevado al límite de sus fuerzas y sobre todo, la genial adaptación de Juan Mayorga (probablemente el mejor autor teatral español en estos momentos).

Se cierra el telón por un rato, mientras tanto reproduzco parte de mi reportaje en “Teatros”….

“Dice Platonov que la tristeza hay que espantarla como se espantan a las moscas”. Según María Pastor, una de las actrices protagonistas de “Platonov” esta es una de las decenas de frases que muestran la esencia de Chéjov: concisión y profundidad de ideas, una dramaturgia basada en la acción y unos personajes insatisfechos con el tiempo que les ha tocado vivir.  “Pocas veces se ha montado adecuadamente a Chéjov en este país. Se le ha tachado poseer un ritmo lento porque posee un sentido del humor y un tipo de acción que se ha interpretado mal en España. En el caso de  ‘Platonov’ nos encontramos ante una versión de Mayorga muy ágil y dinámica”, explica la actriz.

A los 21 años Antón Chéjov escribe una obra de más de siete horas, inacabada y de violento apasionamiento. Tenía que ser el tándem de Gerardo Vera (director) y Juan Mayorga (dramaturgia) los que se atrevieran a adaptar y llevar a escena esta obra obra poco conocida en España con Pere Arquillué, Carmen Machi,  Mónica López y María Pastor entre otros.

Pero, ¿quién es ‘Platonov’, el personaje amado y odiado por todos? Pere Arquillué, el actor que le da vida, intenta describirlo en pocas palabras: “Platonov es un personaje poliédrico, con multitud de caras. Es un loco con una mirada muy especial. La sociedad no le comprende y él tampoco a ella. Es un gran seductor con las mujeres y de ahí provienen parte de sus problemas. Entronca con personajes como Don Juan o Hamlet, inadaptados del tiempo en el que viven. Es repudiado y a la vez muy querido por los otros. Ama la vida pero quiere vivir a su manera y la sociedad no le deja”.

Perlas y acordeones

Cuatro mujeres aman a Platonov. Todas son distintas. Todas le anhelan y a la vez le repudian. El miedo se confunde a veces con el deseo. Suele asustarnos lo que no conocemos, suele atraernos lo que no podemos encerrar en ninguna “jaula” políticamente correcta. “Hay una diferencia brutal entre el tipo de amor que siente con cada una de las cuatro mujeres: un amor más platónico hacia María, la posibilidad de una vida nueva con Sofía, el amor cotidiano con Sacha y el amor de una mujer en declive como Anna que ve en Platonov el amor como salvación”, reflexiona Arquillué.

A ritmo de acordeón se pasa de la comedia a la tragedia y estalla la acción.“Es una obra llena de auténticas perlas. Platonov es el diamante en bruto de toda la obra de Chéjov”, dice Pastor.

¿Fue Platonov en cierta manera una profecía de los grandes cambios históricos del siglo XX? “Se trata de una metáfora del mundo entero. Están cambiando los tiempos, poco después de su estreno estalla la Revolución Rusa. Chéjov refleja en Platonov que, a pesar de las apariencias, desea un mundo nuevo y mejor”, concluye Arquillué.

Hasta el 24 de Mayo en el Teatro María Guerrero (Madrid)

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hamlet pandur

“Estamos hechos de la misma materia que los sueños”, decía un personaje de “La Tempestad”. Si así fuera, el “Hamlet” soñado por Tomaz Pandur es una tierra hecha de tiempo, palabras, silencios y apareceres. El aparecer poderoso de un paisaje de melancolía, el aparecer de una Blanca Portillo completamente transformada y el inquietante deambular de los muertos que reclaman el mismo protagonismo que los vivos.
Asier Etxseandía es el espectro del padre de Hamlet, pieza clave para entender esta original versión del clásico de Shakespeare. Como él mismo explica, “el espectro es el motor principal para que Hamlet exista; todo sucede en el nombre del padre. Shakespeare nos toca porque habla desde lo más básico de nosotros mismos. Se muere tu padre asesinado por su hermano, tu propio tío. Y aparece su espectro clamando venganza…Todos desearíamos eso, que nuestros seres queridos se nos aparecieran para decirles todo lo que se nos quedó por decir.”

ÁNGELES… ¿O DEMONIOS?
Pero este espectro, ¿es un ángel o más bien un demonio? “Mi personaje es un gran hijo de puta; en el cielo no está, ni en ningún lugar civilizado. Sabe que todos acabarán muriendo por vengar su muerte… Cuando nadie le observa puede sentirse esa inquietud de lo que no es bueno”, responde el actor.
Dice Tomaz Pandur que “‘Hamlet’ crea imágenes que nunca antes hemos visto. Atraviesa fronteras, rompe normas, en reconocimiento y búsqueda de lo que se ha perdido en las brechas del tiempo”. Los muertos y los vivos, todos por igual, andan juntos y sin saber a dónde ir.  Atrapados entre dos tiempos y entre la palabra y el silencio.
“Todo el mundo muere en ‘Hamlet’. En la escena están tanto los muertos como los vivos. Los muertos vuelven a formar parte del reino del espectro… Al inicio de la función el padre se encuentra en soledad y finalmente vuelve a rodearse de su séquito de nuevo, vuelve a ser el rey”, reflexiona Etxeandía.hamlet blanca portillo

LLORAR EN LA LLUVIA
Diluvia en Dinamarca. Los muertos y los vivos abren sus paraguas. Huele a madera mojada y a barro en las botas. Se oye el ondular de las cortinas y el timbre de las crueles bicicletas. Para el actor, “se trata de un paisaje de la melancolía, frío, que posee la humedad terrible de una isla… Y esas maderas del Norte que tienen que tratarse por la humedad… Todos los personajes se ocultan tras las cortinas para espiar a Hamlet. Cortinas en lugar de muros, como un personaje más en movimiento. Visualmente es fascinante y nos coloca en un lugar donde se entienden muchas cosas”.

¿Es posible ver las lágrimas en la lluvia? Eso es lo que se pregunta Tomaz Pandur en esta función que no dejará a nadie indiferente y que en mi opinión supone uno de los más grandes eventos teatrales del año.

Una producción del Teatro Español para las Naves del Matadero de Madrid.

Precio: 22 euros. Mar. y mier. 25% de descuento.

Para ver la entrevista a Blanca Portillo continuar leyendo…

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Después de “Ubú Rey” yLargo viaje hacia la noche”,  Àlex Rigola vuelve a la Abadía con esta comedia apocalíptica escrita por Richard Dresser. Una obra que estará en Madrid hasta marzo y que hace gala del lema de este teatro: “El placer (humor) inteligente”.  ¡MUY RECOMENDADA!

Reproduzco parte de la entrevista que me concedió Àlex Rigola con motivo de su estreno.

  • ¿Qué es lo que sucede en “Días Mejores”?

Estamos en la difícil Nortamérica de finales de los 80. Un grupo de personas se queda sin trabajo porque la fábrica donde trabajaban no realizó una buena restructuración tecnológica y tiene que cerrar. La sociedad sin ética en la que viven busca el dinero fácil por encima de todo y ellos no son distintos, así que acabarán quemando coches para cobrar los seguros. Pero la crisis capitalista también les llega a ellos: se les acaban los coches que quemar…

  • Parece una historia muy reconocible…

Totalmente. La situación del país es el reflejo de lo que se cuenta en la obra: no hay dinero para investigación y educación; nos hemos dedicado a vivir del turismo y de la especulación inmobiliaria.

  • ¿Cómo son los personajes?

Sobreviven obviando su dramática situación económica. Llega un punto en que no tienen ni siquiera mubles para quemar. Viven en condiciones mínimas que son normales para sus parámetros. En esto reside lo cómico del a obra: son personajes que parece que no tocan la realidad. Su historia es muy sencialla, lo complejo es el momento histórico en el que viven.

  • El autor, Richard Dresser, ha definido esta obra como post-paranoica…

Creo que Dresser se refiere a ese vivir con normalidad una situación tan cutre y al límite. El contexto es muy similar al de la serie: “My name is Earl”: contemplamos la América más profunda, tan alejada del famoso sueño americano.

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